Kultura in umetnost: ruska imena. Tema lekcije: Posvetna in sakralna glasba Vrste duhovne in posvetne pesmi

Gradivo za lekcijo 7. razred, 3. četrtletje

Glasbena dramaturgija - razvoj glasbe.

Glasbena dramaturgija- odsev glasbenih podob v gibanju, razvoju, prepletanju in boju protislovnih principov (protislovij).

Načini za razvoj glasbe:

1. Ponavljanje, ponovitve - trodelna oblika ( ABA), rondo oblika (AVASADA), kupletna oblika.

2. Različica -variacijska oblika, sonatna oblika (razvoj, repriza).

Vrste variacije - zaporedje, posnemanje.

Zaporedje (od lat. naprej)– gibanje motiva, ponavljanje zaporedja zvokov na različnih višinah, v naraščajoči ali padajoči smeri.

Imitacija (iz latinske imitacije) - ponovitev teme ali motiva v drugem glasu glasbenega dela (polifona predstavitev - kanon ali fuga).

Dve smeri glasbene kulture .

Glasbena kultura se je razvila v interakciji dveh glavnih smeri: posvetne in duhovne (cerkvene).

Posvetna glasba je v svojem izvoru slonela na ljudski pesemski in plesni kulturi.

Sakralna glasba je bila vedno povezana z bogoslužjem.

Duhovna glasba.

TOv sfero sakralne glasbe sodijo predvsem vokalna ali vokalno-instrumentalna dela na besedila religiozne narave, izvajana med cerkveno službo

Cerkvena glasba vedno obravnava teme Sveto pismo. Dramaturgija podob trpljenja, smrti, Kristusovega vstajenja je osnova za razvoj duhovne glasbe. V cerkvenem obredu glasba in beseda v enotnosti z drugimi vrstami umetnosti določata celovitost dramskega dejanja, zgrajenega na kontrastih različnih podob. v vzhodnem pravoslavna cerkev to liturgijo in bdenje, poroko in molitev, ki ima svoje korenine v znamenski napev . V zahodnem Katoliška cerkev- maša, rekviem, pasijoni, kantate itd. Temeljijo na - koral, večglasno petje ob spremljavi orgel ali orkestra.

V delu nemškega skladatelja J.-S. prevladujejo verske teme in oblike cerkvene glasbe. Bacha in ruskega skladatelja M. Berezovskega. Bach je napisal večino glasbe za orgle in zbor, A Berezovski - za zbor a capella Zahvaljujoč polifoniji dobi glavna ideja vsake njihove skladbe globok in večplasten razvoj. Vsebina refrena "Kyrie, eleison!" iz "Visoke maše" J.-S. Bacha in 1. del duhovnega koncerta "Ne zavrni me v starosti" M. Berezovskega se odvija v popolni polifonični obliki - fuga.

posvetna glasba.

Posvetna glasba je glasba brez vpliva cerkve.

Iz 16. stoletja se začne razvijati komorna glasba(iz lat. camera - soba). Torej, za razliko od cerkvene in gledališke, imenujejo instrumentalno ali vokalno glasbo. Od sredine XVIII stoletja. aktivira se posvetno koncertno življenje, osvobojeno vpliva cerkve. Povečuje se število orkestrov, ansamblov in solističnih koncertov. V delu dunajskih klasičnih skladateljev - Haydna, Mozarta, Beethovna itd. - so se oblikovale klasične vrste instrumentalne zasedbe - sonata, trio, kvartet in itd.

Komorno glasbo, napisano za majhno skupino izvajalcev, so igrali doma ali na dvorih plemenitih plemičev. Izvajalci, ki so delovali v dvornih ansamblih, so se imenovali komorni glasbeniki. Postopoma se je komorna glasba začela izvajati ne le v ozkem krogu poznavalcev in ljubiteljev glasbe, temveč tudi v velikih koncertnih dvoranah.

Komorne vokalne in instrumentalne miniature romantičnih skladateljev 19. stoletja so raznolike. Sem spadajo pesmi F. Schuberta, klavirske pesmi brez besed F. Mendelssohna, kaprice N. Paganinija, valčki, nokturni, preludiji, balade F. Chopina, romance M. I. Glinke, igre P. I. Čajkovskega in še veliko več.

Komorna instrumentalna glasba

Etida

Etude (iz francoskega študija, vaja) - To je skladba, namenjena izboljšanju tehnike igranja instrumenta. Ta koncept najdemo tudi v slikarstvu: etuda je skica, skica bodoče slike.

V 19. stoletju se je z razcvetom virtuoznega igranja in izpopolnjevanjem glasbil razvila nova zvrst – koncertne študije. Njihova tehnična težavnost je podrejena razkritju skladateljeve umetniške namere.

In zdaj so priljubljene etude romantičnih skladateljev, katerih umetnost prodre v vse kotičke človeškega srca.

Vidna predstavnika romantike sta poljski skladatelj Frederic Chopin (1810-1849) in madžarski skladatelj Franz Liszt (1811-1886). Oba sta bila odlična pianista. Chopin je pridobil priznanje poslušalcev v posvetnih salonih, Liszt pa v velikih koncertnih dvoranah.

V Chopinovih etudah se slišijo romantične sanje o občutkih, ki povzdigujejo človeka - to so misli o ljubezni, kontemplaciji narave in revolucionarni patos.

Liszt je skušal zvok klavirja približati zvoku orkestra. Njegove skice temeljijo na načelih skrite programiranosti, figurativnega in likovno slikovnega načina upodabljanja. V Lisztovem času je veljalo mnenje, da je veliko etud nemogoče izvesti zaradi njihove neverjetne tehnične zahtevnosti.

Transkripcija

Izraz transkripcija (iz latinskega prepisovanja) pomeni obdelavo, transpozicijo glasbenih del. Transkripcije so se pojavile v XVI-XVII stoletju. kot priredba notnih besedil za izvajanje na drugih instrumentih. V 19. stoletju transkripcije so postale ena najbolj priljubljenih koncertno-virtuoznih zvrsti, ki imajo samostojno umetniško vrednost.

Iz ene od transkripcij ruskega skladatelja XIX. M. Balakirev že poznate. To je klavirska skladba, napisana na temo slavne romance M. I. Glinke "Škrjanec"

Široko priljubljenost so pridobile klavirske transkripcije F. Liszta. Njegovo spretnost virtuoznega pianista so njegovi sodobniki zelo cenili. »Ko Liszt igra,« je dejal nemški pisatelj G. Heine, »ne razmišljaš več o težavah, ki jih premaguješ, klavir izgine in glasba se nam razkrije.« Priredil je za klavir devet simfonij L. Beethovna. List je zapisal: "Če izpolnim svojo nalogo - narediti jih dostopne - na ravni spretnega graverja ali pametnega prevajalca, potem bo moj cilj dosežen." Zelo priljubljene so bile Lisztove etude po Paganinijevih kapricah. Liszt je bil tisti, ki je Rahmaninova, Lutoslavskega opozoril na Paganinijevo Kaprico št. 4.

Liszt je oboževal glasbo avstrijskega skladatelja Schuberta, saj je v njej videl najvišji izraz lirične poezije v zvokih. Med Lisztovimi klavirskimi transkripcijami so tako znana dela Schuberta, kot so "Gozdni kralj", "Serenada", "Postrv", "Ave Maria" in druga.

Slavni italijanski pianist in pedagog Ferruccio Busoni (1866-1924) je nadaljeval tradicijo ustvarjanja transkripcij in je pomembno vplival na razvoj evropske pianistične umetnosti. V svojih transkripcijah se je tako kot Liszt skliceval na dela številnih skladateljev.

Busonijevo delovanje so primerjali zdaj s slikarskimi deli, zdaj z velikimi katedralami. Ob njegovem poslušanju so govorili o »barvitih platnih«, »freskah«, »zvočnih skulpturah« v njegovi »iz marmorja izklesani igri«. V izvedbi Busonija je vse dajalo vtis sijajne improvizacije – in ta je bila njegova glavna sila!

Ciklične oblike instrumentalne glasbe

"Concerto Grosso" A. Schnittkeja

Suite, instrumentalni koncerti, sonate, simfonije spadajo med ciklične oblike glasbe. Te oblike so uporabljali tako skladatelji preteklosti kot naši sodobniki.

Glasba izjemnega ruskega skladatelja A. Schnittkeja je izpoved človeka novega časa, ki je vsrkal izkušnje več stoletij - od 17. do 20. stoletja. Svobodno združevanje preteklosti in sedanjosti je značilnost njegove glasbe. Privlačni glasbeni citati. polistilistika (namerna kombinacija v enem delu različnih slogovnih pojavov) je značilna za A. Schnittkeja. Zahvaljujoč temu privlačnost do glasbe tega skladatelja širi naše razumevanje enotnosti sveta in človeške kulture.

Koncert za dve violini, čembalo in komorni orkester A. Schnittkeja ima staro ime "Concerto grosso" (v prevodu iz italijanščine - veliki koncert). V tem koncertu je razmerje med solisti in orkestrom enako kot v starih instrumentalnih koncertih Bacha in Vivaldija. Deli solistov ne dominirajo orkestru, ampak so podrejeni nekemu višjemu redu, višjim razmerjem z orkestrom.

Skladatelj je svoj koncert posvetil prijateljema in prvima izvajalcema te glasbe, violinistoma Gidonu Kremerju in Tatjani Grindenko. "Med komponiranjem koncerta jih nisem samo slišal, ampak tudi videl, kako igrajo ... Njihovo odrsko obnašanje daje poslušalcem in gledalcem estetski užitek."

Skladatelj kontrastira močno voljno, namensko glavno temo 5. dela s temo drugega sveta - zla, sovražnega. »Pritoke«, ki popačijo zvok čistih violinskih tonov, poslušalci zaznavajo kot vdor sil, ki nasprotujejo delovanju glavne teme.

"Suita v starem slogu" A. Schnittke.

Suita (iz francoske vrste, zaporedje) obstaja od 16. stoletja. in se nanaša na večdelne ciklične oblike instrumentalne glasbe ter sonato in simfonijo, ki sta nastali pozneje. Suito lahko primerjamo z zbirko kratkih zgodb, za razliko od simfonije - bolj dinamične, čvrste, podobne romanu. Suita je sestavljena iz več samostojnih delov - plesov, ki so med seboj običajno kontrastni in jih združuje skupen umetniški koncept.

V prvi polovici 18. stoletja, ko je klavirska umetnost dosegla svoj vrhunec, so se suite spremenile v glasbo za poslušanje. Pred njimi so se začeli pojavljati preludiji, vključevali so instrumentalne arije. Obstajale so suite, sestavljene iz programskih del-slik.

V drugi polovici 18. stoletja, v času Haydna, Mozarta, Beethovna, je bila suita že dojeta kot nekaj staromodnega. Čeprav so lahke zabavne orkestralne skladbe dunajske klasike (divertimento, serenade) napisane v obliki suit, je na primer znani Rondo iz "Male nočne serenade" W. A. ​​​​Mozarta.

V 19. stoletju oživela je moda za suito. Ruski skladatelji 19. stoletja sestavljal tudi suite. Poznate posamezne skladbe iz klavirske suite "Slike z razstave" M. Musorgskega, simfonične suite "Šeherezada" N.A. Rimski-Korsakov, suite za orkester "Mozartiana" P. I. Čajkovskega. Prvič je predstavil tudi suite iz baletne glasbe. Začele so zveneti neodvisno od gledališča, kot samostojna simfonična dela. V XX stoletju. nastale filmske suite.

- G.P.Sergeeva-E.D.Critskaya "Glasba" 7. razred;

Posvetna glasba (18. stoletje)

Osemnajsto stoletje ima v zgodovini naše glasbe pomen prehodnega obdobja. V predpetrovski Rusiji, okovani z nevednostjo, predsodki, težko in inertno javnostjo in državni sistem, ni bilo prostora za notranjo svobodo umetniškega razvoja.

Skoraj vsi zametki (razen prvin naše cerkvene glasbe, izposojenih od zunaj, a na naših tleh deležnih svojevrstnega razvoja), ki so prišli k nam in na Zahod, so imeli tu in tam drugačno usodo. Vzhodni starodavni primitivni tambur se je na zahodu spremenil v večstrunsko lutnjo ali teorbo in še vedno imamo skoraj enako slabo dvo- ali tristrunsko domro-balalajko. Vzhodni rebab, reven s strunami, se na zahodu prelevi v družino številnih lokalnih inštrumentov, ki v bogastvu izraznosti tekmujejo s človeškim glasom - pri nas pa se že nekaj časa uživlja v obliki bednega "bipka". za dolgo časa. Blizu naših harf je Hackebrett (rod činel) na Zahodu rodil klavikorde, spinet, klavir - pri nas pa je harfa zamrznila na prvinski stopnji razvoja. Brez pogojev zastonj duhovni razvoj onemogočil pravilno nasledstvo rezultatov dela iz generacije v generacijo.

Vse to se pozna v 18. stoletju na primer v spremembi jugozahodnega parteškega petja v italijansko koncertno petje; ena vrsta večglasne glasbe se brez boja umika drugi, ne da bi se razvila v nekaj popolnejšega, višjega. Poskusi ustvarjanja nacionalne opere v 18. stoletju (Fomina in drugi) v bistvu nimajo nobene zveze s podobnimi poskusi Verstovskega ali z briljantnimi stvaritvami Glinke.

Šele v 19. stoletju z Glinko, ki igra v zgodovini naše glasbe isto vlogo, kot jo ima Puškin v naši literaturi, se začne pravi organski, dosledni razvoj naše glasbene umetnosti. Ta razvoj pa je postal mogoč šele po zaslugi petrovske reforme: njenim rezultatom smo zaslužni, da smo se kasneje naučili ceniti naše nacionalne prvine umetnosti, sposobne nadaljnjega razvoja.

Petrova reforma je razrešila okove in okove, ki so omejevali svobodo posameznika, in ji dala možnost neoviranega razvoja, čeprav le v določenih družbenih slojih in razmerah. Sprva se ta svoboda še ni mogla manifestirati skozi ustvarjalno delo na področju, ki nas okupira. V času vladavine Petra I. in njegovih najbližjih naslednikov je glasba še naprej enaka "zabava" dvora in visoke družbe, kot je bila pod Aleksejem Mihajlovičem. Za Petra je bila glasba le sredstvo za vnos večje briljantnosti, animacije in raznolikosti v javno življenje. Bale, zborovanja, parade, klovnovske in slavnostne procesije so spremljali zvoki glasbe, ki je bila zreducirana na stopnjo zunanjega hrupnega dodatka. Peter sam je kazal okus samo za cerkveno petje. Peter je na sprejemu pri hannovrski volilni knezi Sophii-Charlotte med svojim prvim potovanjem v tujino pri večerji z »opaznim užitkom« poslušal italijanske pevce, a je kljub temu izjavil, da »nima velike želje« po taki glasbi. F. Weber poroča, da je Peter »našel prav tako malo užitka« v operah in komedijah, »kot v lovu«. Berchholtz pravi isto.

Ko je bil Peter leta 1717 v Parizu, so nekateri glasbeniki in pevci pariške opere prosili, da bi mu služili, vendar je njihovo ponudbo zavrnil. Odlično je igral boben in včasih v veseli družbi pokazal svojo umetnost, ki se je je naučil v otroštvu, ko je igral vlogo bobnarja v svojih "zabavnih" polkah.

Konec 17. stoletja se začnejo pojavljati orkestri tujih, predvsem nemških glasbenikov, ne le med tujimi veleposlaniki, ampak tudi med ruskimi bojarji. Po Korbu je bila leta 1698 glasba nujen pripomoček različne počitnice"v hišah vseh trgovcev in najbogatejših Moskovčanov in nemških častnikov." Za gledališče, ustanovljeno leta 1702 v Moskvi, odpuščajo glasbenike iz Hamburga.

Očarani nad "glasbeno harmonijo" so Rusi, po Korbu, imeli glasbo za prazno razvedrilo; "nikoli ne bi privolili v nakup užitka, ki bi trajal le nekaj ur, za enoletne stroške." Gostujočim glasbenikom so dajali tudi naravne Ruse, podložnike, kot šolanje. Pri tem usposabljanju, kot priča Weber, so pogosto uporabljali batoge, dokler se učenec »ne nauči in začne igrati«. Ni presenetljivo, če so tako izurjeni ruski umetniki, rekrutirani iz podložnikov ali drugih nižjih slojev, pogosto kazali grobost morale. Weber poroča o divjih bojih dvornih pevcev; pravi tudi, da so ruski glasbeniki igrali »brez vsake umetnosti«.

Orkestre v času Petra Velikega so sestavljalo majhno število glasbenikov; tudi v dvornem orkestru je bilo le 20 ljudi; prevladujejo domača pihala. Ob posebej slovesnih priložnostih so sestavljali tudi obsežnejši, montažni orkestri; Tako so ob kronanju cesarice Katarine (žene Petra Velikega) v Moskvi zbrali orkester 60 cesarskih, vojvodskih in drugih glasbenikov. Po zgledu dvora so dvorjani - knez Menšikov, kancler Golovkin in drugi - pa tudi Feofan Prokopovič - ustanovili svoje orkestre. Tuji veleposlaniki so svojo glasbo pogosto vzeli s seboj na obisk; nekateri med njimi, na primer pruski veleposlanik baron Mardefeld, so tudi sami nastopali kot virtuozi ali pevci. Na splošno so imele glasbene zabave tega časa malo umetniškega značaja. Zdaj se je pojavil nekakšen virtuoz, kot je bil »urar Fister«, ki je zabaval Katarino I. s svojim igranjem na »kristalne zvonove«, potem je paž švedskega veleposlanika, ki je imel »slavčkov glas«, pokazal svojo umetnost pred njo, itd. Bile pa so dame, ki so znale igrati na čembalo (princesi Kantemir in Čerkaskaja, grofica Golicina, vzgojena na Švedskem).

Yaguzhinsky je očitno imel bolj resen okus. Na njegovo pobudo so bili organizirani prvi redni koncerti, ki so se odvijali vsak dan ob sredah (od leta 1722 do Petrove smrti) v hiši Bassevina, tajnega svetnika holsteinskega dvora, ob sodelovanju holsteinskega dvornega orkestra. Švedska vojna je prispevala tudi k nastanku številnih orkestrov, zasebnih in državnih, na primer vojaških. Po eni bitki pri Poltavi je bilo leta 1709 v Moskvo pripeljanih 121 ljudi različnih ujetih glasbenikov švedske vojske, iz »kraljevske hiše« pa 4 trobentači in 4 timpanisti. Mnogi od teh ujetih glasbenikov so ostali v Rusiji.

Vojaška glasba je bila pri nas organizirana že prej. Davnega leta 1704 so po projektu feldmaršala Ogilvyja samo na bobnarje računali 30-članski pehotni polk in 12-članski konjeniški polk. Že v tem času je bila verjetno celotna instrumentalna sestava takratnega orkestra speljana na nas iz Evrope.

V Petrovi vladavini se prvič pojavi sodelovanje glasbe v pogrebnih procesijah. Ljudska pesem se le redko sliši na dvoru. Kozaki-banduristi so s svojim igranjem in petjem zabavali ne le nekatere amaterje, ki so jih imeli pri sebi, ampak tudi visoke osebe, na primer vojvodinjo Mecklenburško in cesarico Katarino. Leta 1722 sta bila na kraljevem dvoru dva banduraša. Njihovo petje je bilo všeč tujcem, ki so od njih prevzeli nekaj »zabavnih pesmi«. Njihov repertoar je bil verjetno večinoma sestavljen iz ljudskih pesmi, včasih ne povsem spodobnih, kot lahko sodimo iz pričevanja Berchholza. Zanimanje za banduriste in njihovo glasbo priča o nezahtevnem glasbenem okusu tistega časa, pa tudi o tem, da jih nemška orkestralna glasba ni v celoti zadovoljila, deloma po svoji zahtevnosti, deloma po svoji vsebinski tujosti.

Velikega pomena za ohranitev ljudske umetnosti je bil odlok iz leta 1722, ki je dovoljeval »ob tempeljskih praznikih v samostanih in plemiških župnijah, po bogoslužju in procesiji s križem«, ljudske zabave, prepovedane pod predhodniki Petra I., »za ljudsko poliranje, in ne za nobeno sramoto" . Pod Petrom II. so bili koncerti nepogrešljiv del dvornih slovesnosti. Na zaroki Petra II s princeso Dolgoruky je bil po prihodu neveste izveden "izbrani koncert", po katerem se je vladar pojavil "med bojevanjem timpanov in igranjem na cevi."

Pod Anno Ioannovno se je v Rusiji prvič pojavila italijanska opera. Ta dogodek se nanaša na leto 1735 (ne na 1736 in 1737, kot so zmotno mislili mnogi raziskovalci). Na seznamu oper, igranih v Rusiji od prejšnjega stoletja, ki ga je sestavil V. V. Stasov ("Ruski glasbeni časopis", 1898, januar, februar, marec), je prva opera, izvedena pri nas, "Moč ljubezni in sovraštva" ( "La forza dell "amore e dell" odie "), besedilo K. F. P. (ruski prevod Tredjakovskega), glasba italijanskega skladatelja Francesca Araya, dvornega kapelnika Anne Ioannovne. Ta opera se je po imenu njenega junaka imenovala tudi "Abiasare", oziroma "Albiazzare" (v ruščini - "Abiatsar"). Še prej, leta 1730, na dan kronanja Ane Ivanovne, je poljski kralj Avgust poslal iz Dresdna več znani igralci, pevci in glasbeniki, izvajati »italijanske interludije«. Kapellmeister Gübner je dvornemu gledališču dal pravo organizacijo, organiziral dvorni »komorni« orkester (iz Nemcev) in za plesno dvorano izbral 20 ruskih fantov. Pri izvedbi "Albiazzare" je leta 1737 sodeloval ogromen dvorni zbor pevcev, operni orkester 40 ljudi in štirje vojaški orkestri. Arayina dolžnost je bila upravljanje dvorne operne hiše in glasbe ter hkrati skladanje novih oper za uprizarjanje na dvornem odru, kot je bilo v navadi tistega časa. Na zgornjem seznamu oper, izvedenih v Rusiji, je kar 17 oper, ki jih je Araya napisal in predstavil v 28 letih (1735 - 63). Hrup, ki ga je dvignil "Albiazzare", je popolnoma preglasil še en pomemben dogodek, ki se je zgodil leto pred njegovo produkcijo - prvo uprizoritev "drame na glasbo v treh dejanjih", "Moč ljubezni in sovraštva", prevedene iz italijanščine in predstavljene ruskih pevcev in zbora "na Novem cesarskem gledališču v Sankt Peterburgu", z odlokom cesarice. Soliste in zbor so vzeli iz dvorne kapele. To zastopanje je mogoče upoštevati v določenem smislu, začetek ruske opere, natančneje, začetek opernih predstav v ruščini. Anna Ioannovna je v tedanji modi porabila velike vsote za vzdrževanje italijanskih pevcev in sijajno produkcijo oper, vendar ni marala glasbe in je začela opero le po zgledu drugih evropskih dvorov.

Poleg italijanske opere vidimo pod Anno Ioannovno ljudsko pesem kot palačno zabavo. Dvorske dame so bile rekrutirane iz deklet z dobrim glasom in bi morale biti ob običajnem času v sobi poleg cesaričine spalnice. Anna Ioannovna jim je zdolgočasena odprla vrata in naročila: "No, dekleta, pojte!" Petje naj bi se nadaljevalo, dokler cesarica ni rekla: "dovolj." Po vzoru svojih predhodnikov je Anna Ioannovna obdržala tudi palačnega banduraista, ki je študiral v Dresdnu pri slavnem lutnjistu Weissu. Na klovnovski poroki princa Golicina, ki so jo praznovali v Ledeni hiši, so predstavniki različna ljudstva Empires so sodelovali »z glasbo, ki pripada vsakemu klanu«, kar do neke mere spominja na klovnovske procesije Petra Velikega in priča o stopnji glasbenega razvoja, ki se je od takrat malo spremenila.

V času vladavine Elizabete Petrovne je italijanska opera dosegla poseben sijaj. Orkester je bil okrepljen na 80 ljudi, v skupino so bili povabljeni prvovrstni pevci; tu so tudi ruski pevci (Poltoratski, poznejši ravnatelj kapele, Berezovski, ki je zaslovel kot cerkveni skladatelj). Na čelu opere je bil isti Araya, ki je prvič napisal glasbo na izvirno rusko besedilo Sumarokova: "Cefal in Prokris". To opero so izvajali (1755) v dvornem gledališču ruski pevci. V tej "prvi ruski operi" niti zaplet niti glasba nista imela nič nacionalnega. Prava prva ruska opera ( Opomba. Ohranjeni so podatki tudi o drugih, zgodnejših delih s petjem in plesom. Tako je bila leta 1743 na sodnem odru uprizorjena stara ruska zgodba "Vrtnica brez trnov". V 40. letih XVIII. stoletja je na sodnem odru "komedija na glasbo s petjem in plesom", vzeta "iz starodavnih ruskih pravljic" A.I. Kolychev: "Pogumni in drzni bober Bogatyr Sila". Ta dela so imela verjetno značaj vodvilja in nikakor niso nosila imena »opera«.) je bila izvedena šele l. naslednje leto, 27. november 1756. To je bila "Tanjuša ali srečno srečanje", katere besedilo je pripadalo I. A. Dmitrievskemu, glasba pa ustanovitelju ruskega gledališča, igralcu F. G. Volkovu, ki je torej prvi Ruski operni skladatelj. Odsotnost podrobnih informacij o izvedbi te opere kaže na šibek vtis, ki ga je naredila, morda zaradi svoje nezadovoljive narave, pa tudi zaradi rivalstva z bolj briljantno in modno italijansko opero. Istega leta je bilo v Petrogradu (na Caricinskem travniku) ustanovljeno stalno rusko gledališče, kjer so uprizarjali tudi opere. Operni umetniki so igrali tako dramske vloge kot obratno; pri operah je na primer sodeloval tudi slavni Dmitrijevski.

Leta 1760 je bilo v Moskvi zgrajeno tudi gledališče za ruske komedije, tragedije in opere. Družbo so sestavljali večinoma dvorjani in uradniki, ki se jim je pridružilo več dvornih pevcev, ki so spali od glasu. Vsekakor sta Volkova opera in ustanovitev ruskega gledališča odsevala tisti nacionalni trend v javnem življenju, ki se je precej jasno pokazal v času vladavine Elizabete Petrovne kot reakcija proti bironizmu in nasploh nemški tiraniji pod njenimi predhodniki. Sama cesarica je bila po svoji vzgoji in navadah bliže ruskemu življenju kot zahodnemu.

Ljubljenec cesarice, A. K. Razumovsky, prej pevec, nato dvorni bandurist, je bil glasbeni pokrovitelj. Zaradi njegove strasti do glasbe je bila sanktpeterburška italijanska opera ena najboljših v vsej Evropi. Pokroviteljstvo Razumovskega je uživalo v ljudski, zlasti maloruski glasbi. V njegovem osebju je bilo nenehno več banduristov, »banduristov« in celo neki »maloruski pevec«.

Pod vplivom dvora so italijanski skladatelji začeli pisati igre na ruske teme. Violinist Madonis je zložil suito na ljudske motive in dve istovrstni simfoniji. Za njim je Araya začela pisati o maloruskih ljudskih temah. Koreograf Fusano je uvedel ruski ples v balet in sam komponiral kontraplese na ruske teme.

Tako se je v času vladavine Elizabete Petrovne prvič pojavila tudi instrumentalna glasba, ki je predstavljala poskuse umetne obdelave ruskih ljudskih tem in postavila temelj tistemu rusko-italijanskemu slogu, ki ga veliko pozneje srečamo med zbiralci ljudskih pesmi, kot D. Kašin in med ruskimi skladatelji, kot so Alyabyeva, Varlamova in drugi.Nova nacionalna struja se ni mogla boriti proti močnim in briljantnim Italijanom, podprtim z zgledom evropskih dvorov 18. stoletja. Italijanska glasba in petje sta bila nepogrešljiv atribut vseh balov, gala večerij in podobnih praznovanj. Ruski plemiči začnejo ustanavljati svoja domača gledališča in uprizarjati opere s pevci in podložnimi igralci. Nekateri so celo podpirali italijanske operne skupine na lastne stroške.

Zasebna italijanska operna (buff) in baletna skupina Locatellija, ustanovljena leta 1757, je sprva vzdržala, zahvaljujoč državnim subvencijam in brezplačnim prostorom, konkurenco v dvorni operi (enkrat na teden je moral Locatelli brezplačno nastopati na dvoru); ko pa si je podjetnik zamislil ustanoviti prvo "veliko operno hišo v Moskvi" (1759), je moskovska javnost, ki je sprva padla na tla, da bi gledala nenavadno novost, kmalu izgubila zanimanje za opero. Podobno se je zgodilo kasneje v Sankt Peterburgu, kljub dobri sestavi trupe in dostopnosti cen. Stvari so šle slabo in Locatelli je razpustil skupino in zapustil Sankt Peterburg. Zgodovina njegovega fiaska je pokazala, kako malo je imela strast do italijanske opere še korenine v ruski družbi. Prestavljena v javno gledališče, ki ni razlikovalo med nazivi in ​​stanovi, je kmalu izgubila občinstvo, ki še ni imelo pravih umetniških zanimanj in potreb.

Da, in na sodišču so morali skoraj na silo pripeljati občinstvo v opero. Poleg Araya je med vladavino Elizabete Petrovne Nemec Raupach, avtor druge »ruske« opere »Alceste« na besedilo Sumarokova (izvedena leta 1758 z dvanajstletnim Bortnjanskim v glavna vloga), Madonis - (kantata o vnebovzetju Elizabete: "Rusija se je veselila žalosti Nakija", 1742), Sarti - ("Kombinacija ljubezni in poroke", o poroki velikega kneza Petra Fedoroviča, 1745), Tsonnis ( "Vologes", 175?), Manfredinija, ki je veljal za dvornega skladatelja velikega kneza Petra Fedoroviča (njegove opere so uprizarjali predvsem v Oranienbaumu, kjer je leta 1756 veliki knez za to zgradil veliko koncertno dvorano). V času vladavine Elizabete Petrovne so bile uprizorjene tudi opere Gasseja, Glucka, Paesiella, Monsignyja in Bruela.

IN Lansko leto vladavine Elizabete Petrovne (1761) so bile gledališke predstave zaprte. Pod Elizabeto Petrovno je prišla v uporabo tako imenovana rog, lovska ali terenska glasba, ki jo je izumil Čeh Johann-Anton Maresh (1719 - 1791). Kot odličnega rogista je Maresha v Rusijo povabil Bestužev (1748), cesarici je bilo njegovo igranje všeč in so ga vzeli med komorne glasbenike. Vitez maršal Nariškin mu je naročil, naj popravi grobe lovske rogove. Iz teh inštrumentov, ki so dajali le po en zvok, je Maresh organiziral (1751) rogovski orkester, ki je igral cele simfonije in uverture, na presenečenje tujcev, od katerih je eden (Masson, "Mémoires sur la Russie", 1802) vendarle podal ostro pripombo, da je takšno glasbo "lahko organizirati samo v državi, kjer obstaja suženjstvo." Maresh je zapustil razpravo o glasbi za rog, ki jo je pozneje objavil njegov biograf (I. Ch. Hinrichs, "Entstehung, Fortgang, jetzige Beschaffenheit der russischen Jagdmusik", St. Petersburg, 1796; ruski prevod - "Začetek, uspehi in trenutno stanje of Glasba za rog" Sankt Peterburg, 1796. Ta knjiga temelji na Karpovičevem članku "Glasba za rog v Rusiji" v "Starodavni in novi Rusiji", 1880, avgust, in članku pod istim naslovom v "Ruskem glasbenem časopisu", 1896, št. 7). V drugi polovici 18. stoletja se je glasba na rog zelo razširila v Rusiji; nazadnje so ga obnovili v dvornem orkestru in nastopali na proslavah zadnjega kronanja.

Vladavina Petra III., ki je strastno ljubil glasbo, ni imel časa, da bi se kakor koli odzval na stanje glasbe v Rusiji, čeprav je gojil široke glasbene načrte. Medtem ko je bil še veliki vojvoda, je kljub svojim omejenim sredstvi imel v svojem osebju drage nemške in italijanske umetnike, gostil koncerte in opere ter zbral odlično zbirko violin. V njegovem pola amaterskem orkestru (do 40 ljudi), v katerem je držal prvo violino, so sodelovali tudi častniki spremstva, ki so znali kaj zaigrati. Po vzponu na prestol je Peter III še naprej igral violino. Ko je živel v Oranienbaumu, je ustanovil glasbeno šolo za otroke dvornih vrtnarjev.

Katarina II. je bila po Segurju »neobčutljiva za glasbo«. Ogromni izdatki za opero naj bi v njenih očeh služili kot pokazatelj bogastva in moči imperija. Po drugi strani pa je prepričana, da »ljudje, ki pojejo in plešejo, ne mislijo zla«. Seveda so besedo »ljudstvo« tukaj lahko razumele le tiste stranke višjih slojev, ki so se v prejšnjih vladavinah ukvarjale s palačnimi spletkami in državnimi udari: italijanska opera je bila ruskemu »ljudstvu« takrat tako tuja kot zdaj. . Po mnenju A.N. Engelgard ("Opombe", 49), Katarina II "od vseh gledaliških spektaklov se je najbolj pritoževala nad italijanskim opernim navdušencem." Precejšen delež v tej strasti do »opera-buff« je treba pripisati tudi vplivu takšnih dvornih »ljubiteljev glasbe«, kot so knez Potemkin, grof Bezborodko in drugi, za katere so bile italijanske primadone zanimive tudi iz povsem drugačne, ne-konference. glasbena stran. Torej, po Segurju, je bil slavni in strašno dragi pevec Todi odpuščen za princa Potemkina. Plemenite dame "noro" pa so imele radi pevce. Ob koncu svoje vladavine je celo cesarica sama priznala (v pogovoru s Khrapovitskim), da je "operni navdušenec vse popačil".

Leta 1772 je nastal nekakšen "glasbeni klub" (v hiši grofa Černiševa), kjer so tedensko prirejali koncerte. Prvo mesto med dvorno gledališko zabavo je zasedla italijanska opera, ki je vabila najslavnejše pevce in skladatelje, slednje - kot dirigente in dobavitelje novih oper za dvorni oder. Predstave italijanske opere so se začele jeseni 1762 z Manfredinijevo opero Olimpiada, napisano za cesaričin vzpon na prestol. Ta skladatelj ima v lasti še več oper in kantat, izvedenih v času vladavine Katarine II. Njegov naslednik je bil maestro beneške šole Balthasar Galuppi; napisal je več oper, uvedel tedenske koncerte na dvoru in poučeval kompozicijo (Bortnjanski je bil njegov učenec tako v Sankt Peterburgu kot nato v Italiji); pripada mu tudi več cerkvenih skladb za dvorni zbor. Njegovi "Didona" in "Iphigenia" sta imeli poseben uspeh.

Hkrati z Galuppijem je deloval koreograf in skladatelj Anjolini, ki je leta 1766 prispel v Rusijo in sledil Fusanovim stopinjam pri komponiranju baletov a la russe. Leta 1767 je sestavil "ogromni balet po ruskem okusu in, ko je združil ruske melodije v njegovo glasbo, je s tem novim umom njegovo delo presenetilo vse in pridobilo splošno pohvalo zase." Galuppijevo mesto je prevzel neapeljski maestro Tomaso Traetta, ki je v Sankt Peterburgu postavil pet oper in baletov lastne skladbe; tedaj je bil povabljen slavni Paesiello (v Petrogradu od 1776 do 1784), učitelj glasbe cesarice Marije Fjodorovne. Stasovljev seznam oper vključuje 22 njegovih oper in baletov, od katerih jih je bilo približno 14 uprizorjenih v času vladavine Katarine II., ki je obstajal zelo kratek čas. Po Potemkinovi smrti se je Sarti vrnil v Sankt Peterburg in zasedel mesto dvornega kapelnika do konca vladavine Pavla I. Poleg več oper, napisanih in uprizorjenih v Rusiji (Stasov navaja 4 njegove opere; poleg tega eno opero, Olegovo začetno upravljanje, na besedilo cesarica, - napisal ga je skupaj s Canobbio in Paškevičem), Sarti je napisal več duhovnih in glasbenih del za pravoslavno bogoslužje in bil učitelj cerkvenih skladateljev Vedela, Dekhtereva in Davidova, zbiralec ljudskega pesmi in skladatelj D.N. Kašin in drugi Pisal je tudi glasbo v ruskem slogu; ena od tovrstnih romanc: »Nisem znala nič na svetu žalovati« je postala celo ljudska pesem. Španec Martini ali Martin je postavil dolgo vrsto njegovih oper in baletov (Stasov ima 14 naslovov). Poseben uspeh sta doživeli njegovi operi "Dianino drevo" in "Redka stvar" ("Cosa rara"), ki sta bili znani tudi v Evropi.

Od leta 1789 do 1792 je slavni Cimarosa živel tudi v Rusiji (12 njegovih oper je na Stasovljevem seznamu). Od drugih tujih skladateljev, ki so delovali v Sankt Peterburgu, sta baron Vanjour, avtor dveh oper na besedilo same cesarice (»Hrabri in drzni vitez Akhrideich« in »Ivan Tsarevich«, obe 1787), in Francoz Bulan, avtor številnih oper (na seznamu Stasov - 15), od katerih so bile nekatere napisane v ruskih besedilih (italijanske opere v času vladavine Katarine so pisali tudi naši cerkveni skladatelji, Berezovski in Bortnjanski, ko sta bila v Italiji; toda za Rusijo je ta njihova dejavnost ostala popolnoma neznana in je minila brez sledu).

Po številu skladateljev, katerih opere so bile uprizorjene v Petrogradu, so bili na prvem mestu Italijani; potem so sledili Francozi in navsezadnje Nemci. Leta 1766 je bilo za opero in komorno glasbo dodeljenih 37.400 rubljev, za uprizoritev novih oper 6.000 rubljev in za dvorni plesni orkester 9.200 rubljev. Ko je bilo v obliki zagotavljanja »očal« ljudstvu dovoljeno »vsakdo začeti z zabavo, primerno za javnost«, je bila italijanska opera, ki je bila privilegij dvora, odstranjena od tod.

Leta 1762 je bil za organizacijo duhovnih dvornih koncertov v postnem času z Dunaja odpuščen Čeh, korepetitor Starzer. Njegovi koncerti so imeli zelo omejen krog poslušalcev in niso pustili trajne sledi v zgodovini naše glasbe.

Leta 1764 se je pojavila francoska komična opera, ki pa se kljub uspešni izvedbi svojega repertoarja ni mogla kosati z italijansko opero. Ko se je pogodba z zakladnico končala, so Francozi poskušali nadaljevati svoje nastope, a brez uspeha so bili prisiljeni pridružiti se nemški skupini in nato popolnoma zapustiti Rusijo.

Nenavadno pa je, da prevlado italijanske opere (glasbeni okus tedanje peterburške javnosti lahko razberemo iz zbirke najpopularnejših odlomkov iz italijanskih oper tistega časa, izdane leta 1796 pod naslovom Giornale del italiano di S. Pietroburgo") je šel z roko v roki z vzponom nacionalnega trenda, ki se je odražal v številnih operah s prizori iz ruskega življenja in zgodovine, katerih glasba je pripadala ruskim skladateljem, in v nastopu številnih ruskih glasbenikov - skladatelji, virtuozi in pevci.

Ljudska pesem, nezahtevna domača instrumentalna glasba je obkrožala ruskega otroka in mladino že od otroštva; Ko je bil v prestolnici, se ni mogel znebiti vtisov iz otroštva. Ljubezen do domače pesmi torej ni bila izkazana. Na večerih Eremitaža, po P. I. življenju, pesmih, plesih in vseh drugih zabavah preprostih ljudi. Zahvaljujoč vsemu temu se v glasbi pojavljajo številne nuggets, ki so večinoma izšle iz množic ljudi.

Takšen je bil Jevstignej Fomin, kapelnik moskovskega gledališča Medox, ki je napisal približno 30 ruskih oper na besedila same cesarice, Ablesimova, Knjaznina, I. A. Dmitrijevskega, I. A. Krilova, Kapnista in drugih. Ena njegovih prvih oper te vrste, "Anyuta", je bila uprizorjena leta 1722 v Carskem Selu in je imela velik uspeh med dvornim občinstvom. Istega leta je bila v Moskvi uprizorjena opera neznanih avtorjev: Ljubimec-čarovnik, katere besedilo in glasba sta vzeta iz ruskih pesmi (je morda identična z isto opero Bulana in Nikolajeva, ki je bila tudi izvedena v Sankt Peterburgu leta 1722).

Opere je pisal tudi kapelnik Matinski, podložnik, ki se je šolal na stroške svojega gospodarja grofa Jagužinskega v Rusiji in Italiji. Od teh je bil še posebej uspešen "Gostiny Dvor", katerega besedilo je pripadalo tudi Matinskemu. Največji uspeh je imela Fominova opera na besedilo Ablesimova: »Melnik, čarovnik, prevarant in svatba«, uprizorjena leta 1799 v Moskvi, nato pa v Petrogradu, v dvornem gledališču; tu pa se je zdela vsebinsko preveč vulgarna in umaknjena z repertoarja.

Komorni glasbenik Paskevich ali Pashkevich je napisal več oper v ljudskem duhu z uporabo ljudskih motivov; zaupane so mu bile tudi tiste številke oper, ki so jih zložili tuji skladatelji, ki naj bi imele narodni značaj. Torej, v operah na besedilo Catherine "Olegova začetna uprava" in "Fedul z otroki" je Pashkevich napisal vse ljudske zbore.

Tudi ruske opere so pisali: Byulan, čigar "Sbitenščik" (1789, besedilo Knjažnina) je imel enak uspeh z uspehom "Mlinarja", Kertselli, knez Beloselski, Brix, Freilich, Pomorsky in drugi. Poleg tega tuje opere so bile običajno prevedene in prestavljene na ruske odre, kjer so jih izvajali ruski pevci.

Ruska operna skupina še vedno ni bila ločena od dramske; izjema so bili le nekateri pevci z izjemnim glasom, ki so sodelovali v eni operi. Orkester ruske dvorne opere je bil enak kot v italijanski. Zbore so tu in tam izvajali dvorni pevci.

Vse zgoraj naštete nacionalne opere Katarininega obdobja so bile zelo nezahtevne. Arije so bile večinoma v dvostihni obliki; recitativ je nadomestil dialog, kot v francoski opereti ali nemškem Singspielu; ansambli so bili relativno redki. Instrumentarij je temeljil predvsem na godalnem kvintetu, ki so se mu včasih pridružila pihala (oboa, fagot, rog, v fortisimu - trobila). Posegi v dramsko karakterizacijo in razvoj zapleta niso presegli najskromnejših meja. Nacionalni značaj glasbe je imel pogojno konotacijo, ki ni presegla uporabe ljudskih melodij v njihovi italijanizirani predstavitvi ali šibkih poskusov njihovega posnemanja. Kljub temu so v nekaterih primerih tukaj opazni utrinki talenta in določene tehnične spretnosti. Vsekakor so bila ta dela precej na plečih takratne javnosti in so našla redne in številne poslušalce. Ruske opere so dajali v Petrogradu poleg dvornega gledališča še v več drugih. Bilo je veliko domačih prizorov, ki so jih vzdrževali plemiči in bogati posestniki. Na teh zasebnih odrih so delali podložni pevci in pevke, orkestrski glasbeniki in celo skladatelji. Knez Potemkin je na svoje pohode na jugu Rusije vzel s seboj italijanske pevce, veličasten orkester in ogromen zbor pevcev.

Instrumentalna glasba je stala v ozadju: glasbena razvitost javnosti je bila še prenizka, da bi se zanimala za simfonično glasbo. Orkestrska glasba je bila tako kot prej hrupni pripomoček razkošja, blišča in nečimrnosti na balih, pojedinah, sprehodih po vodi itd. Pri igranju posameznih inštrumentov je bila zanimiva predvsem tista virtuozna stran, okus za katero je bil podprt tudi z gostujočim vokalom. virtuozi. Najboljši orkester je bila dvorna opera, ki je leta 1766 štela 35 ljudi in je zlasti v drugi polovici Katarinine vladavine vključevala v svojo sredino prvovrstne umetnike. Po podatkih iz leta 1766 je imel orkester 16 violinistov, 4 violiste, dva violončelista, kontrabasiste, fagotiste, flavtiste, oboiste, rogiste in trobentače ter 1 timpanista.

Orkester je vključeval tudi ruske virtuoze, na primer violinista Ivana Handoškina (umrl 1804), sina revnega peterburškega krojača, prvovrstnega virtuoza in plodovitega skladatelja violine (sonate, koncerti, variacije na ljudske pesmi) , v isti nacionalni smeri, v kateri so pisali Fomin, Paškevič, Matinski.

Glasba za rog je bila še posebej razširjena pod Katarino: orkestre za rogove (od podložnikov) sta imela med drugim Grigorij Orlov in Potemkin, ki sta imela tudi zbore moldavskih, madžarskih in judovskih glasbenikov. Moda za glasbo se je odražala tudi v vojaških godbah; nekateri med njimi so dosegli 100 ljudi ali več. Mnogi polki so obdržali svoje zbore. Od instrumentalnih skladateljev Katarininega časa je O.A. Kozlovskega, po rodu Poljaka (umrl 1831), in njegovega rojaka grofa M. Oginskega, čigar poloneze nizke glasbene vrednosti so bile v svojem času zelo priljubljene.

Takrat še ni bilo simfoničnih ruskih del. Pojav umetnih ruskih pesmi in romanc, ki so bile takrat pogosto vključene v ljudsko rabo, sega v Katarinino dobo. Besedila zanje so pisali Bogdanovič, Kapnist, Deržavin, Dmitrijev, M. Popov, Sumarokov, knez Gorčakov; še posebej priljubljena so bila dela Neledinskega-Meletskega. Glasbo zanje so zložili: Sarti, Dietz, Kozlovsky in drugi, nekaj pa je bilo vključenih v ljudsko pesem iz priljubljenih italijanskih oper Paesiella in drugih.

Širjenje okusa za glasbo je služilo pod Katarino in izobraževanjem. Čeprav je cesarica sama izrazila (v navodilih za vzgojitelja velikih knezov kneza Saltykova) precej zaničujoče mnenje o vzgojni vrednosti glasbe, je bilo poučevanje glasbe v njenem času vendarle uvedeno v izobraževalne ustanove, predvsem za ženske. . Betsky je od učencev sirotišnice ukazal "tistim, ki kažejo sposobnost petja in glasbe - naj izvolijo učitelje glasbe."

Leta 1779 je sirotišnica podpisala pogodbo s podjetnikom Karlom Knipperjem, ki je vodil gledališko in glasbeno šolo, po kateri je moral 3 leta doma poučevati glasbo in uprizoritvene umetnosti 50 učencev obeh spolov, nato pa jim zagotoviti plačano mesta v njegovem gledališču.

Istega leta je bila ustanovljena tudi naša prva posebna šola za odrsko in glasbeno umetnost, gledališka šola. V plemiški kadetnici so kadete učili petja in igranja na različne instrumente; pevski zbor korpusa je bil znan v mestu; Bortnyansky je bil povabljen, da študira z njim. Koncerte so organizirali tudi učenci inštituta Smolni, sirotišnice, moskovske univerze in drugih izobraževalnih ustanov.

Prestolonaslednik, veliki knez Pavel Petrovič, se je naučil igrati klavikord. Širjenje glasbene izobrazbe (čeprav zelo lahke in površne) med širokimi množicami družbe je povzročilo pojav številnih prevedenih priročnikov, vključno z našim prvim »Pravim poukom o skladanju generalke basa« (Kelnerjeva dela, iz nemščine prevedel Zubrilov, Moskva, 1791).

Plod zgoraj opisanega vsesplošnega sajenja glasbene »umetnosti« je glasbeni diletantizem, ki je pustil pečat v zgodovini naše glasbe v tem stoletju, a je služil kot dobra pripravljalna stopnica za resnejša ukvarjanja z umetnostjo. Pojavili so se ne slabi amaterski pevci in pevci, dobri amaterski glasbeniki, kot je princesa Daškova, amaterski skladatelji, kot sta kneza Beloselski in Gorčakov. Obstaja precej številna literatura glasbenih almanahov, na primer: "Glasbene zabave, ki vsebujejo ode, ruske pesmi, duhovne in posvetne, arije, poljske duete itd." (O tej literaturi glej brošuro grofa Lisovskega: "Glasbeni almanahi 18. stoletja", Sankt Peterburg, 1882).

Pojavlja se poleg zanimanja za ljudsko življenje, vsakdanje življenje, legende in številne zbirke ljudskih pesmi, med katerimi ima najvidnejše mesto zbirka Lvova in Prača (»Zbirka ruskih narodnih pesmi z njihovimi glasovi. ", Sankt Peterburg, 1790; 2. izd., popravljena in dopolnjena, 1805; 3. - 1815; 4. - 1897). Istočasno so se začele pojavljati priredbe maloruskih pesmi ("Maloruska pesem: Naselje na bregu", Moskva, 1794).

Vladavina Pavla I. v zgodovino naše glasbe ni prinesla nič novega. Sam cesar je bil do glasbe precej ravnodušen. Ko je Pavel opazil "veliko množico" glasbenikov Preobraženskega polka, je izmed njih izbral dva najboljša rogista in klarinetista ter enega najboljšega fagotista in ukazal, naj se v prihodnje sestava polkovnega orkestra omeji na to, ostali pa godbeniki so bili zapisani kot bojni vojaki. Po tem je bil izdan ukaz, da polkovne čete ne smejo presegati števila 5 ljudi; za vse topništvo je ostalo samo 7 glasbenikov. V gledališčih pod Pavlom je še naprej prevladovala tuja opera, italijanska in francoska, opazna je bila slabitev prve in krepitev druge. V repertoarju od Katarininih časov ni velike razlike: nova dela italijanske šole so pripadala skoraj istim skladateljem, katerih igre so bile uprizorjene v prejšnji vladavini; pri Francozih je bilo uprizorjenih več oper Gretryja in Daleyraca kot pod Katarino; iz nemščine najdemo dve Mozartovi operi in eno Gluckovo - skladateljev, ki jih Katarinin repertoar popolnoma ni imel: na splošno ima repertoar nekoliko resnejši značaj. Pod cesarjem Pavlom je bilo prepovedano uvažati glasbo iz tujine in preklicano je bilo glasbeno izobraževanje v tistih zavodih, kjer so študirala dekleta neplemiškega porekla. Zadnji ukrep je prišla od cesarice Marije Fjodorovne, ki je leta 1797 izrazila misel, da poučevanje glasbe in plesa, »kot bistvena zahteva pri vzgoji plemenitega dekleta, postane za meščansko žensko ne samo škodljivo, ampak celo pogubno in jo lahko vleče. v družbe, ki so nevarne za vrlino."

Zgodovinska doba, ki je prišla na zamenjavo v starodavni svet imenujemo srednji vek. Začelo se je s padcem Rima (476) in trajalo več kot tisoč let. V tem času se je razvil pomemben del evropskih narodov in držav, izoblikovale so se najpomembnejše značilnosti evropske kulture.

Razpad rimskega imperija se je končal v 5. stoletju našega štetja. e. po osvojitvi barbarskih plemen, ki so prišla s severnega obrobja. Vojne, epidemije, lakota, opustošenje so spremljali vzpon fevdalizma v Evropi.

Postopoma v srednjeveška Evropa Ustanovljena je bila nova vera, krščanstvo. Nova doktrina, rojena v Judeji, ki je bila del rimskega imperija, je delovala kot spopad z zlom in nasiljem. Nova vera je pridigala idejo univerzalne enakosti ljudi pred Bogom, idejo odpuščanja in, kar je najpomembneje, prinašala tolažbo trpečim in zatiranim. Ta humana doktrina je na koncu zmagala velika številka sledilcev v različnih državah.

Podoba Jezusa Kristusa je za kristjana postala nedosegljiv ideal. Nenehno stremljenje k duhovnemu idealu in njegova nedosegljivost v življenju nosita nasprotujoče si načelo, značilno tako za svetovni nazor srednjeveške osebe kot za umetnost tistega časa.

Kultura in umetnost tiste dobe sta bili neposredno povezani z vero in cerkvijo. Umetnost srednjega veka - cerkvena arhitektura, kiparstvo, ikone, mozaiki in freske, ki so zapolnjevale prostor templja - je bila podrejena nalogam krščanskega bogoslužja. Morda najtežja vloga je bila dodeljena glasbi, ki naj bi molilcu pomagala, da se znebi vsakdanjih skrbi, pozabi na osebna čustva in se popolnoma osredotoči na to, kar mu razkrivajo svetopisemska besedila in cerkveni zakramenti. Temu cilju so služili napevi, katerih glavne značilnosti so dolgo časa ostajale monofonija (pevci so hkrati izvajali eno melodijo) in odsotnost instrumentalne spremljave. Enoglasje je bilo po mnenju avtorjev hvalnic najboljši način za izražanje pomembnih teoloških idej: bilo je simbol enega Boga in ene Cerkve. Zvok glasbil je močno vplival na čustva človeka, čemur se je Cerkev skušala izogniti.

Do začetka XIII. cerkvena glasba je nastajala skoraj izključno v samostanih. Pri sestavljanju petja je menih strogo sledil kanonom (pravilom) in tradiciji ter si ni prizadeval ustvariti dela, ki bi se razlikovalo od prejšnjih vzorcev. Ni se imel za avtorja, saj je bil edini stvarnik po njegovem razumevanju Bog. Skladatelj je svojo nalogo videl v nečem drugem: utelesiti božji načrt. Morda prav ta pogled na svet pojasnjuje dejstvo, da je velika večina glasbenih del te dobe anonimnih.

Do 13. stoletja se je v evropski glasbi uveljavila polifonija. Ni le nosila duhovnih idej (kot je monofonija), ampak je razkrila tudi bogastvo človeške misli. Polifonija je nastala pod znatnim vplivom sholastike (iz grščine "sholasticos" - "šola", "znanstvenik") - smeri v teologiji, ki je trdila, da človeški um lahko v določenih mejah razume in razloži resnice vere. Središča sholastične teologije niso bili samostani, ampak univerze; praviloma je bilo glasbeno življenje skoncentrirano v velikih univerzitetnih mestih.

V katoliški tradiciji pomembno vlogo v bogoslužju od 7. stoletja. Orgle so začele igrati, nato pa še drugi inštrumenti. Pravoslavna glasba je ostala zvesta monofoniji veliko dlje kot katoliška; V pravoslavne cerkve zvok inštrumentov še vedno ni dovoljen.

Od konca XII. začela razvijati posvetna glasba, povezana z viteško ljubezensko poezijo. V srednjem veku so se razširile tudi vsakdanje zvrsti instrumentalne glasbe (predvsem plesne).

GLASBA SREDNJEVEŠKE EVROPE

Tradicije zahodnoevropske cerkvene glasbe segajo v 4.–5. Zgodnja faza njihovega oblikovanja je povezana z dejavnostjo teologa in pridigarja sv. Ambroža Milanskega (okoli 340–397) – bil je eden prvih, ki je sestavljal bogoslužne pesmi. Ambroža pripada pomembna novost v praksi cerkvene glasbe - razdelitev kora na dve skladbi, ki se nahajata na nasprotnih straneh oltarja. Skladbe so izmenično prepevale med molitvena besedila glasbeni fragmenti. Takšne fragmente so poimenovali antifone (iz grščine "antiphonos" - "zveni v odgovor"), načelo njihovega izvajanja, ki temelji na izmenjavi dveh zborov, pa je bilo imenovano antifonalno petje. Postopoma so bile najpomembnejšim besedilom dodeljene strogo določene antifone, katerih glasba je nastala na podlagi že obstoječih in znanih kratkih melodij-napevov. Število antifon, pa tudi število petjev, je s časom naraščalo in pevci so jih vedno težje ohranjali v spominu. Zato je že na začetku 7. st. vse nabrano gradivo je bilo spravljeno v sistem in zbrano v obsežni zbirki, imenovani »Gregorijanski antifonar«. Ime je povezano z imenom papeža Gregorja I. (okoli 540-604). Zbirka papeža Gregorja je postala osnova za razvoj enega od stilov evropske cerkvene glasbe - gregorijanskega petja.

Vsi gregorijanski napevi so strogo enoglasni. Glasovi pevcev naj se zlijejo v eno samo celoto do te mere, da je zvok zbora čim bližje zvoku glasu ene osebe. Glasbena sredstva so namenjena reševanju glavne naloge - prenesti posebno stanje, ko so misli molivca osredotočene na Kristusa, občutki pa so spravljeni v popolno ravnovesje, kar v dušo prinaša razsvetljenje in notranji mir. Glasbeni stavki napevov so dolgi, brez ostrih skokov v melodiji, očarljivi z enakomernostjo ritma - nosijo globok mir in hkrati odmerjeno, koncentrirano gibanje. Prenašajo notranje, molitveno delo duše v občestvu z Bogom in so v popolnem sozvočju z arhitekturo. Katoliška cerkev, katerega vsi detajli poudarjajo enako enakomerno gibanje - v ravni liniji od vhoda do oltarja.

Gregorijanska glasba temelji na principu diatoničnosti (iz grščine "diatonics" - "raztegnjen") - lestvica, zgrajena na zvokih lestvice brez vzponov in padcev. Obstajal je poseben sistem cerkvenih diatoničnih načinov, ki so prišli v Evropo iz Bizanca in so bili starodavnega izvora.

Skupno število prečk - osem - je imelo globok duhovni pomen. Veljal je za produkt 2x4, kjer je prva figura pomenila dvojno, božansko-človeško bistvo Jezusa Kristusa, druga pa štiri konce križa. Tako je gregorijanski modalni sistem simboliziral križanega Kristusa.

Na poseben način je zgrajena tudi kombinacija glasbe z besedilom. Temelji na dveh tehnikah, ki sta v petje prišli iz starodavne tradicije petja molitev. Eden od njih se imenuje psalmodija(uporablja se pri branju psalmov): en glasbeni zvok je predstavljal en zlog besedila. Še en trik - obletnico(iz lat, jubilatio - "slavljenje") - je bilo sestavljeno iz dejstva, da je bil en zlog zapet v več zvokov. Gregorijanski koral je prožno združeval obe tehniki.

V 9. stoletju se pojavi še ena različica gregorijanskega korala - zaporedje Zaporedje je bilo prvotno dodatek k obletnici Aleluja. Kasneje so za boljše pomnjenje melodij začeli podtekstiti zaporedja in prejeli so drugo ime - proza. Obstaja domneva, da literarni izraz "proza" izvira iz tradicije podtekstovanja starodavnih gregorijanskih pesmi. Kot samostojni cerkveni napevi so bili najbolj znani sekvenci priljubljeni tudi v vsakdanjem življenju. Dve srednjeveški sekvenci sta zavzeli trdno mesto v delu evropskih skladateljev do 20. stoletja: to je sekvenca Dies irae(o sodnem dnevu) in zaporedje za praznik sedmerih Marijinih žalosti - Stabat mater.

Od začetka 10. stoletja je polifonija začela prodirati v cerkveno glasbo. Njegove prve oblike so bili cerkveni napevi, ki so jih izvajali v dveh glasovih. Načelo izvajanja zgodnje polifonije je bilo naslednje: na glavni napev gregorijanskega korala, ki se je imenoval cantus firmus oz tenor od zgoraj je nastal drugi glas (improviziran ali posnet), kasneje pa še tretji glas.

Vrsta zgodnjega dvoglasja se je imenovala trak, saj sta oba glasova pogosto zvenela v vzporednem stavku v čistih kvartah in kvintah. Z vidika zakonov srednjeveške glasbe je bilo takšno vzporedno gibanje norma zvoka, v nasprotju s pravili kasnejše klasične harmonije. Zanašanje na popolno sozvočje je razloženo z dejstvom, da je te intervale, ki so prvi v nizu prizvokov, lažje in bolj priročno uglasiti v vokalni izvedbi.

Razvoj in zapletanje oblik cerkvenih pesmi je zahtevalo popolnejši notni zapis. V gregorijanski glasbi se je razvil poseben sistem zapisovanja napevov. Sprva so bili označeni kot neumes (iz grške "pneuma" - "dih") - konvencionalni znaki, ki so prenašali generalna smer razvoj melodije. Odštekani posnetek je bil podoben sinopsisu, v katerem so nakazane le glavne točke, podrobnosti pa mora izvajalec poznati sam.

Ena nad drugo sta bili narisani dve črti (običajno drugačna barva), ki označujejo višino glavnih zvokov, nevme pa so bile posnete okoli ali neposredno na teh ravnilih.

Na začetku XI stoletja. glasbenik in teoretik Guido iz Apeuua (ok. 992 - ok. 1050) je revolucioniral pisni sistem z uvedbo dveh dodatnih vrstic. Nevmas so začeli postavljati na štiri vrstice in med njimi, kar je veliko natančneje in podrobneje označevalo višino zvokov. Štirivrstični sistem je postal prototip sodobnega notnega zapisa, ki temelji na petih vrsticah.

Približno v istem času so se pojavila imena za glavne zvoke - Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. To so bili začetni zlogi prvih šestih besed latinske pesmi, ki jo je napisal menih Pavel Diakon v čast apostolu Janezu (veljal je za zavetnika cerkvenega petja). Kasneje je bil zlog Ut nadomeščen z zlogom Do. Obstajalo je tudi ime za en zvok - Si (nastalo iz prvih črk fraze Sancte lohanne - "Sveti Janez").

Iz 12. stoletja Gregorijanske korale so začeli zapisovati v t.i. zborni ali kvadratni zapis. Ta posnetek je natančno nakazal višino tona, vendar ni odražal ritmične strani glasbe.

Pojav polifonije in poznejši razvoj vokalne polifonije je predpostavljal zvenenje več melodičnih glasov z različnimi ritmi. To je zahtevalo natančno ritmično fiksacijo vsakega zvoka. Zato so v 13. st. menzuralni zapis, v katerem je bilo vsakemu zvoku dodeljeno trenutno potrebno trajanje.

Že do 11. stoletja se je v cerkvenem življenju razvila ciklična oblika, ki je še danes najpomembnejši del katoliško bogoslužje. Govorimo o maši, ki je postala sestavni del tako vsakdanjega kot prazničnega bogoslužja. Maša se izvaja na latinščina in ima številne obvezne pesmi. Naslednjih pet svetih pesmi je postalo kanoničnih:

Kyrie eleison - Gospod, usmili se

Gloria in excelsis Deo - Slava Bogu na višavah

Credo in unum Deum - Verujem v enega Boga

Sanctus Dominus Deus Sabaoth - Svet je Gospod Bog nad vojskami in Benedictus qui venit in nominee Domini - Blagor tistemu, ki prihaja v Božjem imenu

Agnus Dei qui tollis peccata mundi - Jagnje Božje, ki je nase prevzelo grehe sveta

Prve maše so bile enoglasne in izvajane brez instrumentalne spremljave. V zgodnjih mašah sta razlikovali dve vrsti petja: psalmodično - po značaju blizu recitativnemu in himnično - bolj spevno. V naravi zvoka sekcij Gloria in Credo se je vse bolj uveljavljal jubilejnemu blizu melizmatični slog izvajanja. Glavni glasbeni material za zgodnje maše je bil gregorijanski koral. Od 14. stoletja so se že v večglasnih mašah uporabljali gregorijanski napevi kot Cantus firmus in uvrščeni v tenor.

Skupnost je sodelovala pri izvajanju zgodnjih maš, zato so ljudske pesmi intonacije prodrle v številne napeve. V poznejših časih, kot Cantus firmus, so skladatelji včasih uporabljali tudi melodije posvetnih pesmi s kanoničnim besedilom molitev. Take maše so poimenovali parodijske ali parodijske maše. Prvotni pomen besede "parodija" je izposoja. Cerkvene oblasti so bile do prodora posvetnih zvrsti v cerkveno glasbo ambivalentne. Včasih je to izzvalo protest proti njeni sekularizaciji, včasih so v njej videli sredstvo za privabljanje laikov v cerkev.

Od 12. stoletja je ena vodilnih zvrsti cerkvene in deloma posvetne vokalne glasbe motet. Pri izvajanju motetov so se skupaj z moškimi glasovi prvič začeli vključevati glasovi fantov. Polifonija je rodila glasbene zvrsti, kot sta dirigiranje in motet. V dirigijskem žanru (iz latinskega conductus – »vodja«) so ustvarjali duhovna in posvetna dela za spremljavo slovesnih procesij in procesij; besedila za dirige so bila napisana v latinščini. V motetu (francosko motet, iz mot - "beseda") je imel vsak glas svoje besedilo, včasih pa so bila besedila za glasove napisana v različnih jezikih. Moteti so se tako kot dirigi uporabljali tako v sakralni kot posvetni glasbi.

Tako je razvoj gregorijanskega petja v srednjem veku šel od monofonije (monodije) do precej zapletenih 2-, 3-, 4-glasnih oblik v organih, dirigih in motetih. Pojav vokalne polifonije je postavil nalogo razvrstitve pevskih glasov. Posebnost njihovih imen je odražala višinsko lego glasov glede na tenor - glavni glas. Poleg tenorja je obstajal glas, ki so ga imenovali kontratenor - nahajal se je proti tenorju. V triglasni predstavitvi se je ta glas glede na položaj imenoval ali kontratenor - altus(glas nad tenorjem), ali kontratenor - bas(glas pod tenorjem). V štirih glasovih je bil imenovan najvišji glas diskantus– tj. "premikanje od teme (tenor)." Iz teh imen so se sčasoma razvile običajne oznake za glasove zborovske partiture: diskant (kasneje - sopran), alt, tenor, bas.

Sčasoma so mojstri začeli aktivno uporabljati glasbila za spremljanje večglasnega petja. V delu francoskega skladatelja Guillauma de Machauxa (okoli 1300-1377) je bil vokalu včasih dodeljen le glavni glas, medtem ko so bili vsi drugi glasovi instrumentalni. Še posebej pogosto je ta mojster uporabljal podobno tehniko v posvetnih spisih.

Oblikovanje zvrsti in oblik posvetne glasbe je potekalo na podlagi ljudskega izročila. Zelo težko ga je preučevati, saj so bile pesmi in plesi redko zabeleženi. Toda nekaj predstav o njih je še vedno mogoče oblikovati, najprej glede na urbano folkloro. Glavni izvajalci ljudske glasbe v mestih so bili potujoči igralci.

Nastopili so v več vlogah hkrati: tako kot glasbeniki, kot plesalci, kot mojstri pantomime in kot akrobati; odigrali kratke prizore. Takšni igralci so sodelovali v gledaliških predstavah, ki so se odvijale na ulicah in trgih - v misterijih, karnevalskih in pustnih predstavah itd. Odnos Cerkve do njih je bil precej previden. »Kdor v svojo hišo spusti mimike in plesalke, ne ve, kakšna velika množica nečistih duhov jim sledi,« je zapisal ob koncu 8. stoletja. duhovni mentor cesarja Karla Velikega, opat Alkuin. Strahovi voditeljev Cerkve niso bili tako neutemeljeni, kot se včasih zdi. Vzorci pesmi in plesov špilmanov (potujočih nemških igralcev in glasbenikov), ki so prišli do nas, preproste oblike, napolnjeni s svetlimi, prazničnimi intonacijami, nosijo ogromen naboj nevihtne, čutne energije, ki bi jo zlahka prebudili v ljudeh. ne samo veselje, ampak tudi nesramen instinkt uničenja. Ljudska umetnost je utelešala tako svetle kot temne plati duše srednjeveškega človeka - nebrzdanost, ostrino, zmožnost zlahka pozabiti na visoke duhovne ideale krščanstva.

Razcvet profesionalne posvetne glasbe XII-XIII. povezana predvsem s kulturo viteštva - vojaške aristokracije evropskega srednjega veka. Do sredine XII stoletja se je v Provansi, eni najbogatejših in kulturno najzanimivejših francoskih pokrajin, oblikovalo delo pesnikov in pevcev - trubadurjev. Beseda "trubadur" izhaja iz provansalskega izraza art de trobas - "umetnost komponiranja" in jo lahko grobo prevedemo kot "izumitelj", "pisec".

Glasbeno je verjetno resno vplival na delo trubadurjev ljudske tradicije. Vendar pa so dali veliko mehkobo in uglajenost odprtim, pogosto drznim ljudskim intonacijam. Ritem kompozicij, tudi v hitrem tempu, ohranja pravilnost in milino, obliko pa odlikuje globoka premišljenost in sorazmernost.

Glasba trubadurjev je žanrsko raznolika. Pomembno mesto so zasedla epska dela, imenovana pesmi o dejanjih(francoske chansons de geste). Običajno so bili napisani na besedilih iz "Rolandove pesmi" - epske pesmi (XII. stoletje), ki pripoveduje o pohodih Karla Velikega in tragični usodi njegovega zvestega viteza Rolanda. Idilične prizore podeželskega življenja so pripovedovali nežni in nežni liki. pastirji(iz francoščine pas-tourelle - "pastirica"). (Pozneje se bo na njihovi podlagi pojavila pastorala - umetniško delo, ki prikazuje enotnost človeka z naravo.) Bile so tudi moralizirajoče pesmi - tenzoni(iz francoske napetosti - "napetost", "tlak").

Vendar so ljubezenske teme ostale glavna tema v glasbi in poeziji trubadurjev, glavna zvrst pa je bila "Pesmi zore"(Francoski šansoni 1 "aube). Praviloma pojejo o sladkem trenutku nočnega srečanja viteza z njegovo Lepo damo. Melodije pesmi osvajajo s prožnostjo in izjemno jasno kompozicijo. Običajno so zgrajene na kratkih, pogosto ponavljajočih se motivov, vendar teh ponavljanj ne opazimo, vedno uspejo: med seboj so tako mojstrsko povezane, da dajejo vtis dolge, nenehno spreminjajoče se melodije. Ta občutek močno olajša zvok stare francoščine z dolgimi samoglasniki in mehkimi soglasniki.

Trubadurji bili ljudje drugačnega izvora- tako meščani kot aristokrati (na primer akvitanski vojvoda Guillaume IX, baron Bertrand de Born). Ne glede na socialno pripadnost pa so vsi kazali idealno ljubezen moškega in ženske, harmonijo med čutnim in duhovnim v njunem odnosu. Ideal ljubljenega viteza trubadurja je zemeljska ženska, vendar bi morala biti po čistosti, plemenitosti in duhovnosti podobna Devici Mariji (pogosto je v opisu Lepe dame podtekst - skrita podoba Matere božje) . V odnosu med vitezom in Gospo ni niti sence čutne nebrzdanosti (zelo značilne za običaje tiste dobe), gre bolj za spoštljivo občudovanje, skoraj čaščenje. V opisu takšnih odnosov je poezija trubadurjev našla neverjetno subtilne nianse, glasba pa jih je skušala natančno prenesti.

Še en zanimiv poklicni fenomen posvetna kultura Zahodna Evropa- ustvarjanje Trouvers, pevci in pesniki iz Šampanje, Flandrije, Brabanta (del ozemlja sodobne Francije in Belgije). Beseda "trouver" je po pomenu blizu imena "trubadur", le da izvira iz starega francoskega glagola trouver - "najti", "izumiti", "sestaviti". Za razliko od trubadurjev so bili trouverji bližje mestnemu življenju, bolj demokratični v svojih oblikah, razcvet njihove ustvarjalnosti pade v drugo polovico 13. stoletja, ko je viteštvo v družbenem življenju začelo postopoma bledeti v ozadje. Posebej priljubljen je bil mojster iz mesta Arras Adam de la Halle (znan kot Adam le Bossu, okoli 1240 - med 1285 in 1288). Skladal je ljubezenske pesmi, dramatizirane skeče, ki jih je običajno spremljala glasba (glej članek »Srednjeveško gledališče zahodne Evrope«). Umetnosti francoskih trubadurjev je blizu delo nemških viteških pesnikov in glasbenikov - minnesingerjev (nemško Minnesinger - "pevec ljubezni"). Najvidnejša sta Wolfram von Eschenbach (okoli 1170-okoli 1220) in Walter von der Vogelweide (okoli 1170-1230). Umetnost minnesingerjev je vzbudila take veliko zanimanje da je bilo leta 1207 v mestu Wartburg med njimi celo prirejeno tekmovanje. Dogodek je pozneje postal osnova priljubljenega zapleta v romantični literaturi in glasbi; še posebej je to tekmovanje opisano v operi "Tannhäuser" nemškega skladatelja Richarda Wagnerja.

Glavna tema ustvarjalnosti Minnesingerjev, tako kot trubadurjev, je ljubezen, vendar je glasba njihovih pesmi bolj stroga, včasih celo ostra, koncentrirana in napolnjena z refleksijami in ne gorečimi občutki. Melodije minnesingerjev očarajo s svojo preprostostjo in jedrnatostjo, za katerima se skriva duhovna globina, ki jim omogoča primerjanje z najboljšimi zgledi cerkvene glasbe.

Opis predstavitve na posameznih prosojnicah:

1 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Duhovna in posvetna pesemska umetnost. Vokalne zvrsti in njihov razvoj v sakralni in posvetni glasbi različnih obdobij Izvaja: učiteljica glasbe MBOU "Srednja šola št. 2", Olekminsk, RS (Y) Andreeva Olga Petrovna

2 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Duhovna pesemska umetnost Duhovna glasba (nemško geistliche Musik, italijansko musica sacra, angleško sacred music) - glasbena dela, povezana z besedili religiozne narave, namenjena izvajanju med cerkveno službo ali doma. Sakralna glasba v ožjem pomenu pomeni cerkveno glasbo kristjanov; v širšem smislu sveta glasba ni omejena na spremljavo bogoslužja in ni omejena na krščanstvo. Besedila skladb duhovne glasbe so lahko kanonična (na primer v Rekviemu W. A. ​​Mozarta) ali prosta (na primer v motetih Guillauma de Machauxa), napisana na podlagi ali pod vplivom svete knjige(za kristjane - Sveto pismo).

3 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Obdobje srednjega veka v zgodovini glasbene umetnosti - pa tudi celotne umetniške kulture človeštva - je izjemno zapleteno in kontroverzno obdobje. Več kot 1000 let srednjega veka je za glasbeno umetnost pomenilo dolgo in zelo intenzivno evolucijo glasbenega mišljenja - od monodije - monofonije - do najkompleksnejših oblik večglasne polifonije. V tem obdobju so se oblikovala in izpopolnjevala številna glasbila, izoblikovale so se glasbene zvrsti - od najpreprostejših oblik zborovske monofonije do večglasnih večglasnih zvrsti, ki so združevale tako vokalni kot instrumentalni zvok - mašo, pasijone.

4 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Izjemen pomen v razvoju sakralne glasbe pridobita meniški pevski in skladateljski šoli. V njihovih globinah se je razvila posebna, numerična estetika glasbe, ki je del 7 »svobodnih umetnosti«, poleg matematike, retorike, logike, geometrije, astronomije in slovnice. Glasba, razumljena kot numerična znanost, je bila za srednjeveško estetiko projekcija matematike na zvočno snov.

5 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Pravoslavno duhovno petje Znamenny chant je starodavna ruska enoglasna tradicija liturgičnega petja. Znamenno petje se je rodilo in razcvetelo na ruski zemlji, v ruski Cerkvi. Najbolj v celoti odraža molitvena čustva ruske duše, ki prihaja pred Boga. Znamensko petje temelji na starodavni bizantinski pevski kulturi, ki smo jo sprejeli skupaj s samo krščansko vero celo pod svetim knezom Vladimirjem. Toda znamenski napev ni le interpretacija grškega petja na ruski način, je celovit duhovno-glasbeni sistem, plod konciliarne ustvarjalnosti Svete Rusije, pesem Bogu božjega ljudstva.

6 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Tropar grški. Τροπάριον - v pravoslavni cerkvi - kratka molitvena pesem, v kateri se razkriva bistvo praznika, poveličuje se sveta oseba in se kliče na pomoč. Tropar v kanonu - kitica, ki sledi irmosu, s petjem verzov po njegovem (irmosovem) melodijsko-ritmičnem modelu.

7 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Partesno petje (iz pozne latinščine partes - zabave [večglasna glasbena kompozicija], glas) - vrsta ruske cerkvene in koncertne glasbe, polifonično zborovsko petje, ki se uporablja v uniatskih in v pravoslavno bogoslužje Rusi, Ukrajinci in Belorusi. Najpomembnejša zvrst partesnega petja je partni koncert.

8 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Grška stihira. στιχηρὰ, iz dr. gr. στίχος - pesniška vrstica, verz), v pravoslavnem bogoslužju - himnografsko besedilo strofične oblike, običajno posvečeno psalmskim verzom (od tod tudi ime). V stiherih se izvaja tema dneva ali nepozaben dogodek. Število stihir je odvisno od prazničnosti bogoslužja. Kitice nimajo ustaljene verzne oblike in se zelo razlikujejo od 8 do 12 vrstic. Melodija stihire praviloma zajema eno kitico.

9 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Liturgija (grško λειτουργία - »služba«, »skupna stvar«) je glavno krščansko bogoslužje v zgodovinske cerkve med katerim se obhaja zakrament evharistije. V zahodni tradiciji se beseda »liturgija« uporablja kot sinonim za besedo »čaščenje«.

10 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Celonočno bdenje ali celonočno bdenje je takšno bogoslužje, ki se vrši na večer pred posebej čaščenim javne počitnice. Ta božja služba se imenuje celonočna služba, ker se je v starih časih začela pozno zvečer in je trajala vso noč do zore. Sam Gospod Jezus Kristus je nočne ure pogosto posvečal molitvi: "Bedite in molite," je rekel Odrešenik apostolom, "da ne padete v skušnjavo." In apostoli so se ponoči zbrali k molitvi. V dobi preganjanj so kristjani bogoslužja opravljali tudi ponoči. Vendar pa do našega časa v večini cerkva v Rusiji celonočno bdenje služil ponoči na predvečer praznikov svete Pashe in Kristusovega rojstva; na predvečer določenih praznikov Atonski samostani, v Valaamskem samostanu Preobrazbe Odrešenika, vključno s pravoslavno katedralo Olekminsky Spassky.

11 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Koral Ko je papež Gregor I. monodijo imenoval »glavna« cerkvena glasba, je komaj slutil, kakšna kariera čaka koral, ki je dobil ime gregorijanski. Gregorijanski koral (latinsko cantus Gregorianus; angleško Gregorian chant, francosko chant grégorien, nemško gregorianischer Gesang, italijansko canto gregoriano), gregorijanski koral, cantus planus - liturgična monodija Rimskokatoliška cerkev

12 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Mašo (lat. missa) v pomenu glasbenega izraza največkrat razumemo kot zvrst cerkvene večglasne glasbe, ki temelji na običajnih molitvenih besedilih katoliške maše. Sprva so takšne maše sestavljali skladatelji za okras bogoslužja. Vrhunec razvoja polifonične mase je druga polovica 15. - začetek 17. stoletja. V sodobnem času so skladatelji mašo praviloma takoj zasnovali kot celovito koncertno skladbo, brez kakršne koli povezave z božjo službo.

13 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Pravzaprav je bila prva šola polifonije pariška pevska šola v notredamski katedrali (od sredine 12. do sredine 13. stoletja), katere največja mojstra sta bila Leonin in Perotin. Nadaljnji razvoj verboznosti je povezan z imeni francoskih glasbenikov dobe Ars nova Philippa de Vitryja in Guillauma de Machauxa.

14 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Posvetna pesemska umetnost Sveta (duhovna) in posvetna (posvetna) sfera glasbe sta se naslanjali na različne figurativne sisteme. Središče posvetne sfere je bila podoba zemeljskega človeka v vsej raznolikosti njegovega zemeljskega življenja. Najprej se je to odrazilo v pesmi in pesniški umetnosti potepuških glasbenikov. Ta novi trend posvetnega muziciranja - ki tako rekoč stoji med pravo folkloro in sakralno glasbeno umetnostjo - se je najprej oblikoval v Provansi - v 9. do 11. stoletju. in se nato razširil po vsej Evropi. V različnih evropskih državah so te potujoče glasbenike imenovali različno: trubadurji - na jugu, trouvers - na severu Francije, minnesingerji in spielmani - v Nemčiji, hoglarji - v Španiji. Načela njunega dela, nabor slik in tem so bili večinoma enaki. Bili so v eni osebi pesniki, pevci, žonglerji, čarovniki, izvajalci na različnih glasbilih.

15 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Umetnost potepuških glasbenikov je bila genetsko povezana s folklornim izročilom po eni strani, po drugi strani pa z razvojem vzgoje in kulture viteštva. Od IX stoletja. sinovi vplivnih gospodov so se izobraževali v samostanih, kjer so jih poleg drugih ved učili petja in glasbene teorije. Na tako paradoksalen način je sveto področje duhovnega življenja v sebi povzročilo novo posvetno umetnost. V skladu s tradicijo viteštva – in kot reakcija na asketizem krščanskega nauka – postane zemeljska čutna ljubezen figurativno središče nove posvetne glasbe. Toda hkrati kanoni krščanska morala pustijo pečat v interpretaciji te teme, ki je za glasbeno umetnost vsekakor inovativna. Ljubezen potepuških glasbenikov je bila dojeta kot idealistična, neuslišana, brezupna, popolnoma zasnovana na brezpogojni zvestobi srčni dami. Potepuški glasbenik ni pričakoval, da bo na tem svetu našel odziv na svojo ljubezen, le smrt mu je lahko prinesla odrešitev ljubezenskih muk, le na drugem, zgornji svet lahko našel mir.

16 diapozitiv

Opis diapozitiva:

Umetnost potujočih glasbenikov je bila najprej osredotočena na osebnost, individualnost in je imela posledično v osnovi enoglasen značaj. Enoglasje je – v nasprotju s pretežno zborovsko naravo sakralne glasbe – nastalo tudi zaradi tradicije najfinejših glasovnih odtenkov pesniškega besedila. Melodija pesmi potepuških glasbenikov je bila izjemno prožna in muhasta. Toda hkrati je bil ritem tako rekoč kanoniziran - v katerem se jasno kaže vpliv kanonizirane sakralne glasbe - in ga določa poetični meter. Obstajalo je samo 6 različic ritma - tako imenovanih ritmičnih načinov - in vsaka od njih je imela strogo določeno figurativno vsebino.

Opozoriti je treba, da sodobni raziskovalci, ki se sprašujejo o bistvu umetnosti kot take, vztrajajo, da se nam istovetenje umetnosti z estetiko »zdi nesprejemljivo, saj če po eni strani poenostavlja problem, potem po drugi omejuje obseg estetske izkušnje, abstrahira in izolira resničnost umetnosti" (Banfi.A. Filozofija umetnosti. M. Art. 1989. -str.358). Vendar sta to neumetnostno osnovo na primer pisatelj Schiller in filozof Spencer videla v igra . Spencer je igrivo naravo umetnosti obravnaval kot zabava ki jih povzroča potreba po obnovitvi fizične moči človeškega telesa. Za Schillerja je igriva narava umetnosti reducirana na "ironično dialektiko za počitek duha", nekakšno odvračanje od običajnega dela. Zato, kot piše A. Banfi, »v umetnosti kot izraznem sredstvu vlada atmosfera čar , nenaravnost , nekaj umetno , bi rekel nekaj skoraj čarobno , v katerem bi se za nas očitno morala manifestirati le lepota ”(-С.34). Nenavaden je tudi sklep, ki ga ta avtor naredi na podlagi analiziranega gradiva: »Vsaka umetnina je v nekem smislu nekakšen malik, prav tisti malik, ki so ga grešniki oslepili z lastnimi rokami, da bi se mu priklonili. to« (-str. 35). In dalje: »Kajti vsako umetniško delo je takšno samo zaradi občutka duhovnosti, ki ga izžareva, zahvaljujoč razodetju, ki ga vsebuje, razodetju, ki ga ni mogoče reducirati na noben vidik sveta ali osebnih vrednot, ampak je odsev prisotnosti v svetu in osebnosti duha, ki je tak Na nek način je označil nov vir svojega idealnega življenja.(-str.35) Druga stvar, kako razume predstavnik in predstavnik posvetne misli, kaj je »duh prisoten v svetu in osebnosti«, kakšne so naloge in kaj je bistvo umetnosti? Izkaže se, da je sfera duha zanj sfera umetniškega življenja: »Samo v sferi umetniškega življenja deluje umetnik kot umetnik, torej ustvarjalec: njegov čudežni genij je prav v tem, da sodeluje pri tem vitalnem potreba, tuja kakršnim koli osebnim nagnjenjem, brez javnega razpoloženja in idealnega abstraktnega shematizma: v boleči želji po rešitvi svojih specifičnih problemov «(-str. 37). Zato ima umetnost življenje kot vir, »z njim se hrani«. »Umetnost ne pozna drugih norm, drugih tradicij kot lastno življenje; ne pozna nobenih drugih problemov, nobenih drugih rešitev, razen tistih, ki jih pred umetniško stvarnost postavlja življenje samo v svojem nenehnem razvoju« (- str. 38).

Tako posvetni mojster ali posvetni umetnostni analitik, ne da bi zanikal prisotnosti duhovnosti in duhovnega vektorja v umetnosti, to vidi v spontanem, nenehnem razvoju življenja kot takega, ki samo sebe vodi, hrani in navdihuje. Posledično ga je mogoče razumeti, reflektirati, izraziti le s preučevanjem zakonov in trendov v razvoju tega življenja z vidika posvetne misli. Čim globlje bo umetnik in mislec lahko prodrl v skrivnosti vesolja, življenja kot takega, bolj živo ga bo lahko izrazil in reflektiral. To poudarja pomembnost obvladovanje metod in tehnik likovne umetnosti , kot tudi razvoj osebnih lastnosti in lastnega truda ustvarjalca. Življenje je večplastno in bogato in vsak ga vidi skozi prizmo lasten okus, razpoloženje . Iz tega, že od renesanse (renesanse), je bilo tako pomembno in pomembno oblikovati avtorjev slog, edinstveno pisavo, ki bi nakazovala edinstvenost mojstra in njegove stvaritve. Tako postane pravilo, da svoje delo podpiše mojster ali s pomočjo simbolov navede, kdo je avtor. Tako v V posvetni umetnosti je zunanja izrazna oblika podvržena razodetju, ki se je razkrilo mojstru in se je razkrilo svetu skozi prizmo njegovih občutkov in izkušenj. Vendar pa je naravna posledica takšnega stanja duha znani trend v sodobni umetnosti: kolikor pogledov in razpoloženj, toliko stilov, pristopov, izraznih oblik. Zato posvetna umetnost ponuja raznolikost oblik , stilizira in se ne predstavlja zunaj te raznolikosti. Nečimrnost.